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...." el pueblo recoge todas las botellas que se tiran al agua con mensajes de naufragio. El pueblo es una gran memoria colectiva que recuerda todo lo que parece muerto en el olvido. Hay que buscar esas botellas y refrescar esa memoria". Leopoldo Marechal.

LA ARGENTINA DEL BICENTENARIO DE LA PATRIA.

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“Amar a la Argentina de hoy, si se habla de amor verdadero, no puede rendir más que sacrificios, porque es amar a una enferma". Padre Leonardo Castellani.

“
"La historia es la Patria. Nos han falsificado la historia porque quieren escamotearnos la Patria" - Hugo Wast (Gustavo Martínez Zuviría).

“Una única cosa es necesario tener presente: mantenerse en pie ante un mundo en ruinas”. Julius Evola, seudónimo de Giulio Cesare Andrea Evola. Italiano.

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jueves, septiembre 10, 2026

AIMÉ PAINÉ – “LA VOZ DEL PUEBLO MAPUCHE” (Ingeniero Luis A. Huergo, 23 de agosto de 1943 - Asunción, 10 de septiembre de 1987).

 


UNA VOZ "MALDITA" QUE MUCHOS Y MUCHAS QUISIERAN QUE SE OLVIDE´.

AIMÉ PAINÉ – “LA VOZ DEL PUEBLO MAPUCHE” (Ingeniero Luis A. Huergo, 23 de agosto de 1943 - Asunción, 10 de septiembre de 1987).
Cantante argentina de origen mapuche y tehuelche que se dedicó al rescate y difusión de la música folclórica de su pueblo. Nieta de un gran cacique tehuelche ranquelino, el lonco Painé Ngürü. Aimé fue activista y cantante, conocida como la ‘Princesa mapuche’ que dedicó su vida a rescatar y a preservar las tradiciones de la comunidad indígena. Forma parte de la historia de las mujeres más destacadas de Argentina por su dedicación a la cultura mapuche.
Los padres de Aimé tuvieron una relación muy especial porque se casaron cuando la madre, Gertrudis Reguera, era muy joven. Tenía trece, catorce años.
Tuvieron cuatro hijos; uno falleció. Aimé es la tercera. El hermano menor es el único que aún vive, en Chimpay. Luego de tener a los hijos, la madre abandona al padre. Él se queda solo con ellos. En ese entonces, Eva Perón había abierto unos hogares para huérfanos del interior. La llevan a Aimé a vivir allí; la sacan del lado de su padre y termina en un hogar en Mar del Plata. Separada de su comunidad indígena natal a los tres años, su vida fue siempre una búsqueda de sus raíces. Se cría como huérfana, como alguien que no tiene padres, que no tiene identidad, educada por las monjas del colegio.
Pero su vida da un vuelco porque desde chiquita tiene ese talento musical maravilloso que la lleva a integrar el coro en el colegio a los siete años. Una pareja de Mar del Plata la escucha cantar y decide adoptarla. La cambia de colegio, la mantiene pupila, pero ya con una guía dentro de la música. Ella siempre decía que sus tutores querían que se dedicara a la música clásica. De hecho cuando ella se independiza deja Mar del Plata, se va a Buenos Aires, trata de sobrevivir como puede e integra, en 1973, el Coro Polifónico Nacional, en un encuentro internacional de coros en Mar del Plata. Se indignó al comprobar que todos los países habían preparado al menos una obra de música indígena o folclórica, menos el coro argentino. Sintió que su país negaba sus raíces. Con una belleza y una personalidad arrolladoras, fue sin embargo, a través de su gran voz, con la que encontró su vocación.
Siempre consciente de su condición indígena, sus rasgos le hablaban de una ascendencia enraizada en la historia profunda de esta tierra, decidió investigar sus orígenes, conocer a su familia biológica y luchar por preservar las tradiciones y por los derechos de la comunidad mapuche en Argentina. Al fin, encontró a su familia luego de una intensa búsqueda que realizó ella misma, con la ayuda del paleontólogo Rodolfo Casamiquela, descubre que su sangre es mapuche-tehuelche. El mismo Casamiquela le acercó una grabación que la conmovió, había sido realizada a fines de la década de 1960 por Carmen Nahueltripay, una sobrina nieta del cacique Sayhueque, que incluía cerca de treinta canciones populares y sagradas, probablemente la primera muestra que Painé tuvo del canto mapuche. Viaja a la Patagonia para realizar un camino de autoconocimiento y entablar relación con su padre, hermanos biológicos y con las ancianas que mantenían viva la tradición oral de su pueblo.
Aprendió a cantar en mapudungun el idioma del pueblo mapuche. Con una grabadora recopilaba canciones entre las ancianas de las comunidades. “Cuando escuché cantar a las abuelas mapuches -contó Aimé-, me di cuenta de por qué me había gustado tanto el canto gregoriano."
Se convirtió en una abanderada de su pueblo, cambió su apariencia por completo, comenzó a dar conciertos con vestimenta tradicional y dejó la guitarra para tocar el kultrun y las cascahuillas, la pifilca y el trompe.
Luego de recorrer el sur de Chile y Argentina recopilando información de la cultura originaria, comenzó a presentar el canto y la visión del pueblo mapuche en los escenarios de América Latina. Se convirtió en la primera mujer mapuche en difundir la canción ancestral de su pueblo, explicando al público el significado de cada canción y la responsable de recuperar el bello cancionero de las abuelas de su comunidad,
Aimé Painé fue el nombre artístico de Olga Elisa Painé, su nombre “legal”, gracias a un sistema que sostenía que el pueblo mapuche-tehuelche no existía más. Nunca grabó un disco y tal vez por eso su trabajo fue ignorado durante mucho tiempo.
Cristina Rafanelli, biógrafa de Aimé, cuenta que: “Fue una investigación difícil. Nadie hablaba de Aimé. Estaba como silenciada. Durante 25 años nadie habló de Aimé Painé. De alguna manera, cuando sale el primer libro se trató de hacer visible la vida de una gran luchadora además de una gran artista".
"Una luchadora increíble que trató de devolverle a su pueblo la dignidad perdida. Ella se encontró con que las abuelas no querían hablar la lengua, habían dejado de transmitir su cultura a través de la oralidad. Luego de la Campaña del Desierto, y con toda la dignidad de aceptar una derrota para tratar de que las nuevas generaciones puedan sobrevivir, se había cortado esa cadena. Por eso el valor de Aimé. Ella empieza a recuperar de a poco esa cultura”. Explica Rafanelli.
Fue una mujer que luchó por mantener viva la cultura y las tradiciones de los pueblos originarios. La búsqueda por la memoria y la ampliación de derechos para su pueblo la llevó a participar de la Sub-comisión de Derechos Humanos de las Naciones Unidas, que se realizó en Ginebra, evento en el que dio un conmovedor discurso en el que plasmó la dura realidad que vivía su gente: "Desde la invasión española, que nos quieren salvar, hoy surgen salvadores por todos lados, mientras que nuestro Pueblo sigue de mal en peor".
Presentó un proyecto de ley para que se garantizara la educación bilingüe en todo el país y no se perdieran los idiomas originarios.
Durante la Dictadura Cívico-Militar comenzó a hablar de temas que ya se daban por solucionado. Lo que pasó con la Campaña del Desierto es algo muy simple: la historia la escriben los que ganan. En todos los textos escolares figuraban los indios como malones, como los malos, como los peligrosos. Toda esa discriminación sirvió para que la sociedad apoye esta campaña que no fue otra cosa que un genocidio y despojo de territorio. Después de la campaña, mandaban a las mujeres sobrevivientes como empleadas domésticas a Buenos Aires, separaban a las familias, se llevaban a los niños para adoptar o para criar como esclavos de servidumbre. Lo mismo pasaba con los hombres que mandaban a las estancias. “El desarraigo es una de las cosas que nosotros más hemos sufrido” decía Aimé.
En la Dictadura, Aimé no la pasó bien pero no fue perseguida directamente porque para los militares los indígenas no eran ya un problema. Los libros de texto hablaban en pasado sobre ellos. Aimé decía “Basta de decir que los mapuches comían, vestían, vivían. Los mapuches están!”. Y lo mismo pasaba con los otros pueblos. Pero para la Dictadura en ese momento el enemigo era otro porque además era ella sola. Una vez se presentó en el programa de Mirtha Legrand vestida con el traje tradicional cuando las mujeres mapuches no usaban nada que pudiera reflejar su cultura.
El legado que Aimé deja es de absoluta dignidad. Además de hermosa, Aimé tenía una forma muy tierna y directa de comunicarse. Decía que ahora la lucha tenía que ser a través de la cultura; “el hombre blanco no nos respeta porque no nos conoce”.
Su vida se terminó inesperadamente a los 44 años, el 10 de septiembre de 1987, luego de una aneurisma cerebral sufrida en el Paraguay cuando estaba haciendo una presentación. Su cuerpo fue repatriado y enterrado en su pueblo natal según la tradición mapuche.
Existen bibliotecas, escuelas, complejos, coros y calles de la provincia de Río Negro con su nombre y una de las calles de Puerto Madero en Buenos Aires homenajea a esta mujer que llevó la cultura mapuche a ser conocida por el mundo.
También una imagen suya integra el Salón de la Mujer en la Casa Rosada, la sede de la Presidencia de la Nación Argentina.
En 2021, se realizó una ficción biográfica de cuatro episodios realizada íntegramente en la Patagonia, con dirección, producción y guion de la cineasta neuquina Aymará Rovera. Esta producción refleja los momentos más significativos de la vida de Aimé Painé -interpretada por Charo Bogarín- y la búsqueda constante de su identidad.
El 23 de agosto de 2021 Google le dedicó en homenaje el doodle del día con motivo de recordar su 78 cumpleaños.
Fuente: Pensamiento Discepoleano.

miércoles, agosto 19, 2026

La historia del tango Caminito.

 

CAMINITO. Está considerado el tercer tango más famoso en todo el mundo, luego de La cumparsita y El choclo.

La historia del tango Caminito.

"Las estrofas de Gabino Coria Peñaloza surgieron de un “Caminito” de Olta (Límite entre La Rioja y San Luis), sin embargo en la música existe otra musa para el recordado Juan de Dios Filiberto, según sus palabras... « en 1904, pasaba yo por esta curva (...); iba a mi trabajo... Mi oficio era de mecánico...” después de muchos años, siendo músico, en 1923, pasé un anochecer, añorando aquellos tiempos; recordé a una chica que se asomaba a una ventana y me salieron unos compases de la canción “El Caminito”, que recién en 1926 terminé”. La melodía y los versos, nacen a kilómetros de distancia y se funden para consagrar una vez más, en todo el mundo, un tango argentino" (A solas con el tango – Carlitos Basabe).

En un reunión programada en una confitería de la calle Florida al 300, oportunidad en que Filiberto le dijo a Coria Peñaloza que tenía un tango inspirado en sus caminatas por un sendero de la Boca mientras se dirigía a la Vuelta de Rocha y luego de tararear varios compases le pidió a su amigo que compusiera los versos. Gabino le contestó que tenía unos versos inspirados en un amor juvenil en Olta y se los recita.

Filiberto consideró que era necesaria una modificación pero el poeta no lo consintió, entonces el músico realizó una adaptación a la música y esa tarde de 1926, en la calle Florida al 300 nació "Caminito".

 

CAMINITO.

Caminito que el tiempo ha borrado,

que juntos un día nos viste pasar,

he venido por última vez,

he venido a contarte mi mal.

 

Caminito que entonces estabas

bordado de trébol y juncos en flor,

una sombra ya pronto serás,

una sombra lo mismo que yo.

 

Desde que se fue

triste vivo yo,

caminito amigo,

yo también me voy.

 

Desde que se fue

nunca más volvió.

Seguiré sus pasos...

Caminito, adiós.

 

Caminito que todas las tardes

feliz recorría cantando mi amor,

no le digas, si vuelve a pasar,

que mi llanto tu suelo regó.

 

Caminito cubierto de cardos,

la mano del tiempo tu huella borró...

Yo a tu lado quisiera caer

y que el tiempo nos mate a los dos.

 

Letra: Gabino Coria Peñaloza.

El poeta mendocino Gabino Coria Peñaloza, hace referencia a un sendero de la localidad de Olta, provincia de La Rioja.

Música : Juan de Dios Filiberto.

El músico boquense Juan de Dios Filiberto se inspiró en este sendero para escribir la música del tango "Caminito".






viernes, agosto 14, 2026

14 de agosto de 1973: Sui Generis graban el álbum Confesiones de invierno.

 


53 años de Confesiones de invierno de Sui Generis.

Con temas que serían "clásicos" del rock argentino.

Sui Generis (del latín "único en su tipo") fue un dúo argentino de rock formado por Charly García (piano, guitarra acústica y voz) y Nito Mestre (flauta, guitarra acústica y voz) en 1969. Nacido de grupos juveniles en el Barrio de Caballito en la Capital Federal.

Confesiones de invierno es el segundo álbum de estudio del dúo musical Sui Generis, editado por el sello Talent el 14 de agosto de 1973.

El álbum Vida, lanzado un año antes, había generado gran repercusión sobre todo por el tema, que es un clásico yá, "Canción para mi muerte".

Junto con el primero, fue la obra que lanzaría a la fama al dúo - y especialmente a Charly García, autor de la mayoría de sus canciones, como la homónima "Confesiones de invierno", "Aprendizaje", "Rasguña las piedras", "Cuando ya me empiece a quedar solo", "Lunes otra vez", "Mr. Jones", y otras las cuales se transformarían en himnos cantados alrededor de los fogones estudiantiles por generaciones, pasando a ser parte del paisaje cultural del país.

Muchos consideran que este álbum es muy superior al primer álbum de la banda, Vida, tanto en la calidad de sonido como en su música.





Lista de canciones.

Todas las canciones escritas y compuestas por Charly García.

Lado A: Cuando ya me empiece a quedar solo, Bienvenidos al tren, Un hada, un cisne, Confesiones de invierno.

Lado B: Rasguña las piedras, Lunes otra vez, Aprendizaje, Mr. Jones, o pequeña semblanza de una familia tipo americana, Tribulaciones, lamento y ocaso de un tonto rey imaginario, o no.

De este álbum surgieron algunos de los mayores éxitos del grupo Sui Generis como "Cuando ya me empiece a quedar solo", "Bienvenidos al tren", "Confesiones de invierno" y también "Rasguña las piedras", un desgarrador canto de libertad que la revista Rolling Stone y la cadena MTV consideraron como la tercera mejor canción del rock argentino. Esta canción "Rasguña las piedras" fue grabada en Adiós Sui Géneris, Parte II. La canción también forma parte de la banda de sonido de la película La noche de los lápices. Más adelante, en el año 2001, fue registrada por Charly García en el disco “Si - Detrás de las paredes” que con aires renovados llega a un público nuevo.

La grabación se hizo en los estudios RCA Victor y Phonalex  con invitados como David Lebón, León Gieco, Alejandro Medina, Juan Rodríguez, Paco Prati, Alejandro "Pipi" Correa  y Rodolfo Mederos,  arreglos orquestales de Gustavo Beytelmann.

El manager de grabación fue Billy Bond.




domingo, agosto 09, 2026

Ausencia - Milonga - interprete Abel Fleury.

 


Don Abel Fleury nació en Dolores, provincia de Buenos Aires, república Argentina el 5 de abril de 1903 y falleció el 9 de agosto de 1958, a los 55 años de edad. tuvo una vida Corta pero un gran reconocimiento de sus pares y del publico.
Fue un Gran Guitarrista y compositor. 

Abel Fleury.

Nació en Dolores, Pcia. de Buenos Aires, el 5 de abril de 1903. Por entonces Marcelino Ugarte era el gobernador de la Provincia. Vivió en su ciudad natal hasta los 20 años aproximadamente. De temprana edad y presintiendo que para colocar a su instrumento -la guitarra- en un lugar de preponderancia debía viajar, abandonó su pueblo y se hizo amigo de los caminos.

Hombre intuitivo, aparentemente sin maestro, comenzó con su instrumento la odisea de transitar las huellas del país y luego del mundo. Así fue que recaló en la entonces aristocrática Mar del Plata. Radicado en esta ciudad en 1926, dicta clases de guitarra y con sus alumnos más adelantados organiza la “Fiesta de la Guitarra”.

Su espíritu bohemio lo lleva luego a la ciudad de Tandil, lugar que le cupo tener una de las curiosidades más grandes del mundo: la Piedra Movediza. Y que fuera no sólo centro de atracción turística, sino de estudio para hombres de ciencia belgas, alemanes y dinamarqueses de la época. En Tandil se encontraba su abuelo paterno, Francisco Dámaso Fleury, decano de los periodistas dolorenses, fallecido en esta ciudad en 1932.

En el ámbito tandilense el músico se vincula espiritualmente con uno de los grandes poetas del país, de poca difusión en la actualidad: Lauro Viana. Este poeta era un hombre solitario y tal vez por ese motivo pudo intimar con otro hombre sensible, solitario y parco como él. De esa hermosa amistad nacieron obras como: “Pico Blanco” (chamarrita), estrenada por el “Ruiseñor de las Calles Porteñas”, Angel Vargas.

Entre las sierras tandilenses vivió una etapa de trabajo intenso donde comenzó a gestar lo que sería después su obra autoral y sus armonizaciones para conjuntos de guitarra, porque ahí, con sus alumnos jóvenes como él, continuó organizando las “Fiestas de la Guitarra”.

Como guitarrista mi homenaje a aquellos pioneros que con Fleury al frente llenaron de notas esa ciudad sureña: Roberto Iglesias (no tiene nada que ver con Horacio Máspoli, que llevaba el mismo seudónimo), Manuel Portas, Juan B. H. Vannoni, Honorio Alvarez y José Borjas.

La raíz hispana que poseemos y el hermoso idioma que hablamos tal vez fue uno de los motivos por el cual esta ciudad se honró por esa época con la presencia de uno de los grandes de la guitarra española: Francisco Calleja. Abel Fleury, por el año 1931, le organiza un recital al maestro Calleja en el Teatro Cervantes de Tandil. En esa oportunidad el guitarrista argentino participa con sus alumnos, nombrados anteriormente, compartiendo el escenario con Calleja.

Es muy difícil para un investigador seguirle los pasos al “Poeta de la Guitarra” en forma cronológica, ya que este artista por su personalidad algo polifacética se manejaba por la zona de estas ciudades bonaerenses en forma constante. Movilizándose por caminos en su mayoría de tierra que en los días de lluvia tornábanse intransitables, por eso a los artistas de entonces su actividad profesional les resultaba bastante complicada.

De Tandil, Fleury se traslada a Tres Arroyos y luego vuelve a aquella ciudad.

En Tres Arroyos el autor de este artículo consultó al Dr. Ricardo R. Fernández, quien le facilitó comentarios periodísticos de la época y un dato sumamente interesante y desconocido: a fines de la década del 20, el equipo de futbol del Club Huracán de esta ciudad resultó invicto en la zona. A pedido de los jugadores de ese club y por la amistad que éstos mantenían con el guitarrista Abel Fleury, le pidieron que compusiera un himno en homenaje a esa institución deportiva. Así nació el tango “Huracán” (1). Un vecino de esta ciudad y socio de Huracán, Juan P. Miciano, español, le puso letra. La partitura del tango “Huracán”, compuesto por Fleury, es inhallable hasta el momento, según lo testimonia el Dr. Fernández en su libro “Club Atlético Huracán” – Historia de 50 años al servicio del Deporte y la Sociabilidad de Tres Arroyos”.

A principio de agosto de 1928 llega a Tres Arroyos a ofrecer un concierto uno de los grandes guitarristas de todas las épocas, mundialmente famoso: Andrés Segovia. Al finalizar éste su actuación, Fleury se acercó a saludarlo. Aquel grande de la guitarra entre las críticas que le hizo a nuestro joven artista tuvo un elogio a su sonido: “reúne usted facultades que realmente son difíciles de obtener entre los guitarristas. Especialmente obtiene gran volumen y pureza en las notas, lo más indispensable para ejecutar en las grandes salas” (2). Ese sonido que fue la tarjeta de presentación y que hoy a más de 60 años de su muerte sigue siendo insuperable. Tal vez como intérprete es el matiz que lo distingue.

En 1932, Fleury retorna a Tandil, donde sigue dedicándose a los conciertos, las clases de guitarra y el ajedrez, otra de sus grandes pasiones. En relación a esto último vale recordar que el 17 de octubre de 1932, el Círculo Rivadavia de Tandil organiza un torneo de ese deporte, donde intervienen el joven Juan Carlos Pugliese (ex Presidente de la Cámara de Diputados de la Nación), su hermano Blas, Aníbal Daglio, Emilio Barrios y otros ajedrecistas. Después de varias partidas, Abel Fleury se impone al no menos destacado contrincante Luis P. Zunino, ganando la medalla de oro y obtiene el título de Campeón Juvenil de Ajedrez. Consecuentemente era lector de Raúl Capablanca, Ninsowiz, Ricardo Reti, Gilabert y Blasker. Del primero leía “Mis mejores partidas”, obra de cinco tomos.

Pero su mayor galardón en estas competencias lo obtuvo el 28 de febrero de 1945, cuando sostuvo una partida con el entonces Campeón Nacional de Ajedrez, Jacobo Bolbochán, ocasión en la que el guitarrista resultó ganador.

Corre el año 1933 y Fleury se dispone a viajar, abandona Tandil y nuevamente al camino, el fatigoso andar por las sendas polvorientas de la patria. Esta vez parte rumbo a Buenos Aires, para encontrarse con el famoso actor y recitador criollo, Fernando Ochoa. Fleury lleva junto con su guitarra una carta de presentación del poeta Lauro Viana para Ochoa. Este lo haría trascender a la popularidad, a través de sus audiciones radiales.

Sobre este aspecto de su trayectoria el propio Fleury lo relata en una entrevista que le hace la revista “Radiolandia”, en octubre de 1937: “En 1933 llegué a Buenos Aires. Mi amor por Dolores me llevó a irme de su ambiente con esa ilusión tan pueblerina y tan juvenil de salir a buscar un laurel. Laureles no conquisté”, dice su modestia, “Pero conocí a muchos amigos”, agrega. “Cuando pisé Buenos Aires traía una guitarra y una carta. Valía más la carta que la guitarra”. Se refería a la carta de recomendación de Viana para Ochoa, que decía así:

Querido Fernando: Aquí va este amigo. Lleva una guitarra ecuménica que se envalentona de acordes con Beethoven, en un galope de aguas claras con Bach, recuerda las nieblas de Grieg o se emponcha de tristeza, como de gauchos en un atardecer, en un estilo criollo. Una guitarra que de tanto empinarse al cielo ya tiene una estrella en el rosetón de cada clavija”, Y termina la nota de Radiolandia:

Fernando leyó esta carta y le abrió camino a la elogiada guitarra. ¡Nunca se arrepintió de ello! ¡Ni se arrepentirá! Desde entonces quedó atado al destino de Ochoa. Es el complemento del espectáculo. La otra mitad”.

Luego de la trágica desaparición del actor y recitador Fernando Ochoa, ocurrida en 1974, pasó mucho tiempo y todavía sobre su figura pesa un injusto e incomprensible silencio.

Además de su talento poseía una gran generosidad de alma, debido a su ayuda desinteresada se conoció la obra inédita de notables valores de la poesía gauchesca rioplatense: Boris Elkin, Miguel A. Camino, Lauro Viana, Arsenio Cavilla Sinclair, José Cagnin y los uruguayos: Yamandú Rodríguez, Fernán Silva Valdez, el español-uruguayo Alfonso Trelles (El Viejo Pancho) e infinidad de nombres provenientes de ambas orillas.

Fleury no era poeta de las letras pero sí de los sonidos de su encordado. Como sosteníamos al principio surgió al conocimiento popular adornando con las melodías de su guitarra los versos que recitaba Ochoa por radio, ya fueran de su propia inspiración como de los poetas nombrados anteriormente.

A estos nombres famosos de la época, cabe agregar otra personalidad destacada del arte y la poesía gauchesca del Río de la Plata: Claudio Martínez Paiva, entrerriano nacido en Gualeguaychú, que fue guía y consejero de Ochoa cuando éste daba sus primeros pasos en los escenarios nacionales.

Pero “El Poeta de la Guitarra”, ya radicado definitivamente en Buenos Aires, no se limitó a ser acompañante de Ochoa. Además actuaba por radio como solista de su instrumento y otras veces integraba los famosos “Escuadrones de Guitarras” creados y dirigidos por él, generalmente estaban integrados por unos doce intérpretes aproximadamente.

Incluso llegó a presentarse con un conjunto de cien guitarras en el Teatro Colón de la ciudad de Buenos Aires allá por el año 1939, cuando era presidente de la Nación el Dr. Roberto M. Ortiz.

“Los Escuadrones de Guitarras” los formaban guitarristas populares y de formación clásica, estos últimos provenían de la “Asociación Guitarrística Argentina” de aquel entonces cuyo presidente era Pablo. M. Santillán, donde Fleury ocupaba el cargo de Vocal Suplente, junto a Ricardo Vergara, Ramón Genen y el Dr. Juan Carlos Radice.

Entre los principales intérpretes que por esa época integraron los distintos conjuntos guitarrísticos de Fleury pueden citarse: Luis Guido Laurent, Roberto M. Iglesias (Horacio Máspoli), Enrique Bruso, Expósito, Héctor Ayala, Roberto Grela, Ubaldo D’Elio, José Torchia, Humberto Cannataro, los hermanos Peralta Toto y muchos otros.

Figuras famosas de la canción popular, del cine y del teatro nacional compartieron con Fleury escenarios y micrófonos radiales: Argentino Valle, Marta de los Ríos, Néstor Feria, Ciriaco Ortiz, Carmen Duval, Enrique Cárvel, un riojano que cantaba tangos, Ignacio Corsini, por citarse algunos nombres famosos.

Algo que la mayoría de los admiradores y colegas contemporáneos del guitarrista dolorense ignoran, aún los amantes del tango, fue su incursión en la música ciudadana, no solamente como compositor sino como intérprete.

En 1941 integró el “Cuarteto Popular Argentino” que lo formaban: Fleury (guitarra), Sebastián Piana (piano), Angel Corletto (contrabajo) y Pedro Maffia (bandoneón). Actuaron unos pocos meses en Radio Belgrano. Cuatro hombres célebres para el recuerdo inmortal. Lamentablemente no han quedado grabaciones de este cuarteto de ases de la música argentina.

Desde muy joven, Fleury salió a recorrer caminos, quizás esa vida bohemia y andariega fue uno de los motivos principales de su musa inspiradora y fecunda. Fueron pocos los rincones del país que no visitara antes y después de su consagración. Una de las principales ciudades argentinas donde se presentó este artista en varias oportunidades fue Rosario de Santa Fe, acompañando a Ochoa o bien dando sus conciertos en teatros, radios, centros culturales y otras instituciones rosarinas de prestigio.

Después de largos años de exitosas actuaciones por todo el territorio argentino, Fleury, anhelante de conquistar nuevos horizontes con su guitarra virtuosa, emprende por esta época sus grandes giras internacionales.

Chile, Uruguay, Brasil, España, Francia y Bélgica conocieron, gracias a su talento, nuestra música criolla para guitarra. Y junto a obras de autores nacionales se destacaba interpretando composiciones latinoamericanas y también obras del repertorio clásico: Bach, Sor, Tárrega, etc.

Durante sus giras prolongadas por el territorio brasileño, Fleury entabló amistad con varios maestros de guitarra y se reencontró con su amigo, el guitarrista uruguayo Isaías Savio, que desde hacía años estaba radicado en San Pablo, donde inauguró la cátedra de guitarra en el “Conservatorio Dramático y Musical” de esa ciudad brasileña.

En San Pablo, Fleury conoció a virtuosos maestros y guitarristas de ese país, como: Dilermando Reis, la figura más popular de Brasil, Nelson Martín Cruz, Antonio Revello, Alfredo Scupinari, Manoel San Marcos, Ronoel Simoes, Chico Del Vecchio, etc.

Entre 1952 y 1953 “El Poeta de la Guitarra” pasea su arte incomparable por Europa. Allí realizó una gira de conciertos que duró un año y abarcó España, Francia y parte de Bélgica. En España actuó en Madrid, Andalucía, Granada (donde obtuvo un resonante suceso), Sevilla, Huelva, Zaragoza y Barcelona. Esta gira estuvo auspiciada por el Instituto de Cultura Hispánica.

En España tomó contacto con grandes figuras del arte guitarrístico español, entre ellos, Daniel Fortea, uno de los discípulos más destacados del inmortal Francisco Tárrega y Regino Sainz de la Maza. Este, al finalizar el guitarrista argentino uno de sus conciertos, se acercó a saludarlo, luego le pidió su instrumento, lo pulsó un instante y al rato se lo devuelve, exclamando: “esta guitarra está embrujada”. Su expresión se debía a que la guitarra de Fleury tenía la primera cuerda muy al borde del mango, motivo por el cual, al pulsarla, se deslizaba fuera del mismo, impidiéndole ejecutarla cómodamente.

El musicólogo y crítico de arte español López Chavarri, otro destacado valor de la cultura española, en uno de sus comentarios publicados en el diario “Las Provincias” de Valencia, sostuvo sobre Fleury: “su concierto fue una maravillosa lección de estilo. Sugerencias maravillosas nacían de su guitarra, que en sus manos vuelve a ser el instrumento misterioso que apenas si desde el gran Tárrega nos es dado oír”.

Después de su muerte, ocurrida en Buenos Aires, el 9 de agosto de 1958, el clásico silencio. Como todas las figuras que tuvieron un prestigio en cualquier rama del arte surgieron en el tiempo como el Ave Fénix. ¿En qué forma?: con su obra autoral. Y aparecieron en los programas de muchos guitarristas argentinos y de distintas partes del mundo, sus composiciones: “Estilo Pampeano”, “Relato”, “Milongueo del Ayer”, “Ausencia”, etc.

“Estilo Pampeano” (estilo), una de sus obras más bellas y difundidas, lo mismo que “Milongueo de Ayer” (milonga), trascendieron mundialmente. El primero figura desde hace más de 45 años, por iniciativa del maestro ruso Arsenio V. Popov (3), como composición obligatoria en los programas de la Escuela Musical de Tomsk, Siberia, Rusia, donde este maestro daba clases de guitarra.

Una celebridad de la poesía gauchesca rioplatense, el uruguayo Yamandú Rodríguez, definió así a Fleury:

Pájaro nochero, volcador de pasiones auténticas, ahonda la llaga de la emoción a través del embrujo de sus dedos. Siembra a voleo la semilla musical de sus canciones, dialoga con los arroyos, con los árboles, se aleja solo, infinito de distancia, en la noche sonora de la Pampa. Apareció, ante un escuadrón maravilloso de guitarras y fue asombrando los rumbos con los clarinasos de sus bordonas. Abel Fleury, no es un guitarrista más, es la guitarra toda por donde se asoma el alma de la patria”.

Referencias

(1) No tiene nada que ver con el tango “El Huracán” que compusieran Edgardo Donato y Carlos César Lenzi.
(2) Diario “La Provincia” de Tres Arroyos – viernes 3 de agosto de 1928.
(3) El maestro Arsenio V. Popov (1892-1977), según datos aportados directamente desde Tomsk por Boris Pisarenko, uno de sus discípulos más destacados, había nacido en Sajalín, isla rusa de Asia situada al este de Siberia en el Mar de Ojotosk. Su primer contacto con la lectura musical fue en 1915, cuando cumplía el servicio militar en el Destacamento de Música del ejército ruso donde tocaba el trombón. Comenzó a ejecutar la guitarra muy activamente a los 27 años, como aficionado. Así conoció a los guitarristas profesionales de Tomsk que le daban clases de guitarra. Desde 1929 establece una intensa correspondencia con guitarristas rusos y de distintas partes del mundo, editoriales y asociaciones, guitarrísticas de su país y del extranjero. Entre 1945 y 1951 en que se jubiló fue profesor de guitarra en la Escuela Musical de Tomsk. Desde ese entonces mantenía correspondencia con Fleury, hasta la desaparición de éste. Al maestro Popov le deleitó la melodía de “Estilo Pampeano” y ese fue el motivo para que lo incluyera como obligatorio en los programas de estudio de la Escuela Musical de Tomsk donde enseñaba a un numeroso alumnado. Esta disposición se mantiene en la actualidad gracias a su iniciativa. Como argentinos, vaya para él nuestra gratitud y reconocimiento permanente.

Fuente
Efemérides – Patricios de Vuelta de Obligado
García Martínez, Héctor – Abel Fleury, El Poeta de la Guitarra – Buenos Aires (2003)
Portal www.revisionistas.com.ar

Para otras publicaciones hacer click en etiquetas: Abel Fleury.

sábado, julio 04, 2026

4 de julio de 1992: despedíamos al gran Astor Piazzolla.

 


Ástor Pantaleón Piazzolla (Mar del Plata, 11 de marzo de 1921 – Buenos Aires, 4 de julio de 1992) fue un bandoneonista y compositor argentino considerado uno de los músicos más importantes del siglo XX y el compositor más importante de tango en todo el mundo.

Piazzolla por siempre: “Que mi música se escuche en el 2020, y el 3000 también”.

Descendiente de italianos, cuando tenía tres años de edad, su familia se mudó a Nueva York, donde comenzó a tomar clases de música y bandoneón, interpretando piezas clásicas en el instrumento, pero no tangos. En 1934 conoció a Carlos Gardel en Manhattan, y realizó una pequeña aparición en la película El día que me quieras haciendo de canillita, fue junto a Gardel.

Gardel invitó a Piazzolla a unirse en su gira por América, pero su padre decidió que era aún muy joven. Por esta razón, su lugar fue ocupado por el boxeador argentino José Corpas Moreno. Esta temprana desilusión resultó ser una gran suerte, ya que fue esta la gira en la que Gardel y toda su banda perdieron la vida en un accidente aéreo. En 1978, en una carta imaginaria a Gardel, Piazzolla bromearía al respecto sobre ese hecho: “Los viejos no me dieron permiso y el sindicato tampoco. Charlie, ¡me salvé! En vez de tocar el bandoneón estaría tocando el arpa”.

Comenzó a trabajar de forma profesional tocando el bandoneón haciendo arreglos para la orquesta de Aníbal Troilo, comenzó a tomar clases de música con Alberto Ginastera  luego abandonó la orquesta de Troilo para emprender su propia carrera

“Grabó con grandes como Gary Burton, Mulligan, Moustaky, Pugliese, Borges, Lalo Schifrin. Con Horacio Ferrer crearon una obra impresionante, de las que se destacan Balada para un loco, Chiquilín de Bachín y la operita María de Buenos Aires.

Hizo música para 38 películas, grabó 50 LP, compuso más de mil temas y acompañó a los tres más grandes cantores que ha dado el tango: Carlos Gardel, Edmundo Rivero y Roberto Goyeneche”

*** Publicado en Academia Nacional del Tango Horacio Ferrer, Colombia / sitio de Facebook y GPA.

MOMENTO MUSICAL.






A SOLAS CON EL TANGO DE CARLITOS BASABE.

 

 Desde Palma de Mallorca Carlitos Basabe un Reginense hacía un programa de radio A SOLAS CON EL TANGO mucho de ese material radial lo difundía la Radio FM Patagonia que conducía el locutor Reginense Oscar Eduardo Díaz.
 "Este programa, abrigó el corazón de tantos argentinos fuera de casa, cuando no había internet, cuando la distancia existía, y éstos momentos, nos acercaban a todos" (comentario de Patricia Doyle). Luego fue creador del blogspot A SOLAS CON EL TANGO.
El blog "A SOLAS CON EL TANGO" fue creado por el comentarista y escritor argentino Carlos Basabe Cerdá, oriundo de Villa Regina, Río Negro. Su espacio recopilaba historias, semblanzas de poetas y análisis de letras. 
Aunque el blog original en blogspot (http://asolasconeltango.blogspot.com) ya no se encuentra activo de forma independiente, su material fue replicado o mencionado en varios espacios regionales de difusión cultural. Puedes encontrar parte de sus escritos, análisis de tangos clásicos (como Homero Manzi o Evaristo Carriego) y poemas lunfardos visitando los registros publicados en el blog Rincón Barda Sureña. (lo que dice la IA).

viernes, julio 03, 2026

La historia del Café La Humedad. Tango de Cacho Castaña.

 


UN CAFÉ

UN TANGO
(La historia del Café La Humedad)
Quien no cantó en algún momento el tango que hizo popular el querido Cacho Castaña de uno de los cafés más emblemáticos de la Ciudad de BsAs “ Cafe la humedad, billar y reunión, sábados con trampas que linda función...”
El Café La Humedad estaba en una de las cuatro esquinas de la avenida Gaona y Boyacá, en el límite de Flores Norte. “Era en la ochava que está en diagonal al bar Lumiton, que todavía existe”.
La chapa, modesta y con un enlozado blanco pero ya tirando a gris, estaba clavada una de las paredes de afuera. Con unas letras desteñidas, que alguna vez habían sido azules, todavía se podía leer “Bar El Progreso”. En 1968, sobre los vidrios de una tonalidad ligeramente azulada, la presentación escrita era menos pretenciosa: sólo decía “Café Bar”, sin otro aditamento. Sin embargo, para propios y extraños, aquel lugar no tenía nada que le hiciera honor a ese nombre que aún se adivinaba sobre la chapa en la pared. Para la gente, ese bar era simplemente el “Café La Humedad”, el mismo que Cacho Castaña describió aquel año con “una baladita” que, con el tiempo, se iba a convertir en un “tangazo” de esta Buenos Aires bien tanguera.
Claro que no lucía la misma elegancia de ese local de la otra esquina, donde hasta había un sector para familias y damas que una mampara separaba del salón. En La Humedad no se veían mujeres. No porque su ingreso estuviera prohibido sino porque no se animaban a entrar.
Como bien describe la canción, los vidrios de los ventanales tenían un tono azul, recuerdo de tiempos mejores. Pero las cortinas, que habían sido blancas, ya estaban amarillentas por el sol y oscuras por la falta de jabón. “El baño no tenía puerta y cada vez que llovía casi caía más agua adentro que afuera”, recuerda Cacho. Y completa: “Es más, cuando en la calle paraba de llover en el local todavía seguían cayendo las gotas”. De ahí que el paño verde de las mesas de los billares estuviera siempre húmedo, para hacerle honor al “alias” con el que lo conocían en el barrio.
De acuerdo con los códigos que marcaba la tradición porteña, los dueños del local eran “gallegos”, expresión genérica y “rantifusa” de la Ciudad para designar a todo inmigrante español, aunque fuera extremeño o catalán. El mozo se llamaba Antonio y era uno de los que debía salir corriendo cuando los muchachos de aquella “barra eterna” cometían una de sus clásicas bromas: hacían deslizar las tres bolas del billar por la vieja vía del tranvía que pasaba por Gaona. Con el ligero declive aquellas bolas empezaban a perderse en el horizonte, ante la desesperación del “gallego”.
El final para el Café La Humedad llegó a principios de los años 70. Después hubo una pizzería (algunos recuerdan que se llamaba “La Tuerca”) y una vinería, enfrente de una farmacia. Lo que nadie recuerda es qué se hizo de aquel gato que solía destrozar los cordones de los zapatos de quienes se animaban a sentarse junto a una mesa y pedir un café.
Fte: SECRETA BUENOS AIRES
El bar que vive en un tango
la historia del Café La Humedad Diario Clarin (2013)
comentarios al posteo a cargo de Diego Weinstein.
Historias Perdidas y Encontradas de Bs.As y Argentina.