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...." el pueblo recoge todas las botellas que se tiran al agua con mensajes de naufragio. El pueblo es una gran memoria colectiva que recuerda todo lo que parece muerto en el olvido. Hay que buscar esas botellas y refrescar esa memoria". Leopoldo Marechal.

LA ARGENTINA DEL BICENTENARIO DE LA PATRIA.

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“Amar a la Argentina de hoy, si se habla de amor verdadero, no puede rendir más que sacrificios, porque es amar a una enferma". Padre Leonardo Castellani.

“
"La historia es la Patria. Nos han falsificado la historia porque quieren escamotearnos la Patria" - Hugo Wast (Gustavo Martínez Zuviría).

“Una única cosa es necesario tener presente: mantenerse en pie ante un mundo en ruinas”. Julius Evola, seudónimo de Giulio Cesare Andrea Evola. Italiano.

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sábado, julio 18, 2026

Máxima Zorreguieta: claves de un estilo que combina alta costura y diseño argentino.

Máxima Zorreguieta: claves de un estilo que combina alta costura y diseño argentino.

La reina consorte de los Países Bajos, Máxima Zorreguieta, es aclamada globalmente por su uso de colores vibrantes y su capacidad de fusionar la Alta Costura internacional con firmas de creadores argentinos como Benito Fernández.


Máxima Zorreguieta: estilos y colores de una reina.-

La moda en las casas reales de Europa dejó de ser un mero protocolo de etiqueta, para transformarse en una potente herramienta de comunicación y diplomacia no verbal. En este escenario global, la reina Máxima Zorreguieta destaca como una de las figuras más influyentes y audaces de la realeza contemporánea.

La identidad estética de Máxima Zorreguieta, ampliamente registrada por publicaciones especializadas de prestigio como Revista Caras y Diario La Nación, se sostiene sobre una equilibrada convivencia entre las normas de la corona y una impronta personal expresiva.

A través de sus apariciones públicas oficiales y giras internacionales, la monarca de origen argentino demuestra que la sofisticación no requiere de la sobriedad absoluta, sino de un manejo inteligente de las siluetas, las paletas cromáticas y los accesorios de autor.

Benito Fernández y la Alta Costura en el armario de Máxima Zorreguieta,

Uno de los pilares más analizados por los expertos de moda en el vestuario de Máxima Zorreguieta es su capacidad para equilibrar la etiqueta real, con el apoyo a la industria de su país natal.

Los looks que definen el estilo de Máxima Zorreguieta.-

La monarca suele alternar piezas exclusivas de la Alta Costura europea, provenientes de firmas de renombre como la belga Natan o la holandesa Jan Taminiau, con creaciones de diseñadores argentinos de gran trayectoria, entre los que destaca Benito Fernández.

Esta decisión no solo funciona como un gesto de diplomacia cultural durante sus compromisos oficiales, sino que introduce texturas frescas, tramas textiles singulares y una perspectiva de diseño latinoamericano dentro de los estrictos círculos de la realeza europea.

De los colores vibrantes al estilo bohemio de Máxima Zorreguieta: los sellos distintivos de la corona

La versatilidad estilística de Máxima Zorreguieta se manifiesta en su dominio de distintas corrientes estéticas, que desafían el minimalismo tradicional de las monarquías.




Su sello indiscutido es el uso de colores vibrantes mediante la técnica del color blocking, combinando tonos de gran impacto visual —como rosa y marrón, amarillos o rojos intensos— en conjuntos impecablemente estructurados.

Asimismo, la reina consorte de los Países Bajos es una gran impulsora del estilo bohemio o boho chic, luciendo vestidos largos y fluidos con estampados florales o lino ligero en sus apariciones informales.

Para los eventos de gala, suele inclinarse por el glamour de inspiración vintage y art déco con flecos y brillos, completando siempre sus outfits con accesorios protagónicos como maxijoyas, sombreros de ala ancha y turbantes que enmarcan su rostro con distinción.

MODA.

* Publicado en Diario Río Negro.

 https://www.rionegro.com.ar/moda-y-belleza/de-la-alta-costura-al-diseno-de-benito-fernandez-las-claves-del-estilo-de-maxima-zorreguieta-que-marcan-tendencia-4650613/














domingo, julio 24, 2022

Ana de Pombo, la diseñadora de Evita.

 

Ana Caller de Donesteve nació en finca familiar de La Cavada en Santander en el 1900, hija de Francisco, un irlandés asentado en la Cantabria y de Elvira de Donesteve, propietaria de un latifundio en Extremadura y vinculada a la aristocracia. De niña tuvo un formidable oído musical que seguramente le venía por el lado materno donde se contaban grandes vihuelistas y compositores; al igual que una institutriz irlandesa que se encargó de su educación. Traviesa y excéntrica de chica se escapó de su casa, siguiendo el camino de un circo.

Tenía 17 años cuando se casó con Cayo de Pombo Ibarra, miembro de una antigua familia de Santander, matrimonio del que nacieron dos hijos Cayo y Alvaro. Personalidades diferentes nunca congeniaron demasiado, don Cayo veinte años mayor, sufría neurastenias que eran atendidas por los médicos Gregorio Marañón y José Sánchez Covisa, quienes recomendaron la disolución del matrimonio, lo que sucedió en París, donde residían en 1924, y fue el primer divorcio señalado de la alta sociedad española.

Ella continuó en dicha ciudad, vinculada como estaba a la mejor aristocracia de la época y fundó una casa de moda que bautizó con el nombre de Maison Elviana, unión de los nombres de Elvira su hermana, casada con Mr. Chappuis un directivo de la firma Citroën, y el suyo.

Los contactos de ésta y el hecho de contar Ana con el apoyo de la reina Victoria Eugenia de la que había sido dama de honor en Santander, convirtieron el local situado en las cercanías de la Medalaine en uno de los preferidos del momento, cosa que llegó a oídos de la máxima referente de la época: Channel. 

En 1930 el conde Koutossof director de publicidad de Chanel, puso los ojos en Ana y le ofreció las relaciones públicas de la afamada casa, cosa que aceptó y cerró su maison. Hasta 1936 Ana de Pombo que siempre usó ese nombre, fue la secretaria de Coco, además de ser la directora de las sucursales de Biarritz y Deauville a los que atrajo a sus amigos de la aristocracia española a estas dos ciudades convirtiendo ambas sucursales en dos negocios florecientes. Sin embargo, por su mala relación con Paul Iribe, el cheval de Chanel dejó la firma.

MAISON PAQUIN.

Poco después pasó a formar parte de la Maison Paquin, una de las casas más legendarias de la costura francesa, para la que diseñó un vestido que alcanzó tal éxito que se le otorgó la dirección de todas las sedes tanto en París como las que inauguró en Londres y Buenos Aires. Sus diseños, el manejo de las pieles y además ``España era inspiración constante, temporada tras temporada y las mantillas, peinetas y el encaje formaron parte de la estética de sus diseños''. Contaba con 2.900 empleados y hasta inventó un tejido elástico semejante a la lycra, que revolucionó el mundo de la moda.

Durante esa época volvió a su interés por la música y comenzó a organizar espectáculos, fiestas privadas en las que desarrollaba sus dotes para el baile; ello la llevó a comenzar una carrera artística que la arrastró a importantes escenarios del mundo bajo el nombre de Ana de España; además de acercar la cultura española a la moda parisina. Se retiró de las tablas en junio de 1943, durante los actos de la festividad de Corpus Christi, en el imponente escenario de la Alhambra de Granada. Se le atribuye la iniciación de lo que se conoce -según su amigo Jean Couteau- como el concierto de ``castañuelas científicas'', ya que interpretaba con ellas música de Albéniz, Falla y Granados.

EN AMERICA.


La guerra mundial acabó con ese mundo de glamour, y muchas casas cerraron. Aunque Paquin resistió ella se retiró en 1941 y abrió su propia casa en París y Madrid, la que no alcanzó el éxito esperado. En su país fue acusada de colaborar con los nazis y fue a parar unos días a la cárcel. Con su inmensa fortuna pensó en América que bien conocía como buen destino, y así abrió sus casas en Río de Janeiro, Montevideo y Buenos Aires, adonde llegó en 1945, donde instaló su local en la calle Florida.

Famosa por las vidrieras a veces decoradas al estilo de los cuadros de Velázquez, vinculada a la sociedad porteña amiga de artistas y coleccionistas, había trabado conocimiento a poco de su llegada con Ignacio Pirovano, fundador de la afamada casa de decoración Comte, también ubicada en la calle Florida. Director del Museo Nacional de Arte Decorativo desde su fundación en 1938, había logrado ganarse a poco del triunfo de Perón en 1946, la confianza del matrimonio presidencial, así Ana de Pombo fue introducida por la mujer de Ignacio, Lía Elena de Elizalde, al círculo cercano a Eva Perón que ambos frecuentaban.

La española con su simpatía y don de gentes, pronto acaparó la confianza y con tan buenos padrinos logró ser la diseñadora de los vestidos que habría de usar Eva Perón en su visita a España en 1947. Ella cuenta en sus Memorias la admiración que sus diseños despertaron en la primera dama, quien a pesar de su altanería le dijo: ``Pienso que no tengo que decirle lo que Ud. tiene que hacerme''. Y le encargó además el suntuoso vestido que causó admiración para la recepción en el Palacio Real de Madrid durante su visita España hace 75 años.

También su maison fue la encargada de los vestuarios de las actrices Dolores del Río, la estrella del cine mejicano, y en nuestro país los de doña Lola Membrives y Zully Moreno. Acá conoció a su tercer marido Pablo Olivera Ramos Mejía, un arquitecto y decorador, 22 años más joven que ella, quien la incitaba a volver a Europa, para desarrollar aún más su carrera. Antes había casado con el uruguayo Fernando Capurro, relación de efímera duración.

EN MADRID.

La pareja con doble nacional hispano-argentina se instaló en 1951 en Madrid, allí abrieron un espacio de moda, decoración, con el nombre de Tebas. Ella intentó quedar en un segundo plano y cedió su lugar a Pablo, pero gracias a sus contactos sociales la clientela era lo más relevante de la sociedad española, desde doña Carmen Polo la mujer de Franco, hasta Marañón y que dio pautas a las nuevas generaciones de decoradores con Duarte Pinto Coelho, Román Arango, Pin Morales y el catalán Pascua Ortega, destacados por su trabajo. El negocio sin embargo no funcionó y en 1958 el matrimonio se instaló en Marbella.

Allí abrieron La Maromacuyas paredes fueron decoradas por su amigo Jean Cocteau, con seis paneles, con los que correspondía a las atenciones del matrimonio cada vez que los visitaba. El local y el estilo de su dueña, hicieron que pronto se convirtiera en la atracción del lugar, y la visitaran sus antiguas clientas como las actrices Marlene Dietrich, Conchita Montes y Daniel Darrieux, a la misma Wally Simpson, duquesa de Windsor. Hasta allí la revista Vogue envió en 1964 al fotógrafo Henry Clarke, para retratarla con sus collares con los paneles de Cocteau de fondo.

Escribió poemas y su autobiografía Mi última condena, donde desfilan personajes que supo tratar a lo largo de su dilatada existencia. Vivió en Marbella en una casa minimalista que había ideado con su marido y el arquitecto Jaime Carvajal, llamada el Huerto de los Olivos; nombre especial ya que había perdido a sus dos hijos.

Ana de Pombo falleció en Madrid el 14 de diciembre de 1980, en la Residencia de Mayores del Santo Duque de Gandía donde se había instalado dos años antes. Su cuerpo descansa en el panteón familiar de Ampudia, entre su hijo mayor Cayo y su marido el porteño Pablo Olivera, el amor de su vida.

Su nombre casi olvidado, fue un acabado exponente de la alta costura en Buenos Aires. Hace 75 años la hizo lucir en España en el viaje de Eva Perón y bien merece este recuerdo, quizás algún día puedan exponerse sus dibujos y bocetos como digno homenaje a una mujer que por amor adoptó nuestra ciudadanía.

martes, diciembre 29, 2020

Murió Pierre Cardin, ícono francés de la moda y pionero del prêt-à-porter Falleció a los 98 en París. "Mi objetivo era la calle, que mi nombre y mis creaciones estén en la calle", se autodefinió.

 

Una página de la historia de la moda se dio vuelta este martes con la muerte a los 98 años del modista francés Pierre Cardin, diseñador visionario y pionero del prêt-à-porter.

Cardin, hijo de inmigrantes italianos que se convirtió en un hombre de negocios mundialmente conocido, murió por la mañana en el hospital Americano de Neuilly, al oeste de París, anunció su familia a la AFP.

"Es un día de gran tristeza para toda nuestra familia, Pierre Cardin ya no está. El gran diseñador de moda que fue, atravesó el siglo, dejando a Francia y al mundo un legado artístico único en el mundo, pero no sólo" eso, escribe su familia en un comunicado.

"Estamos orgullosos de su tenaz ambición y de la audacia que demostró a lo largo de su vida. Hombre moderno con múltiples talentos y una energía inagotable, se involucró muy pronto en los flujos de la globalización de bienes y el comercio", continúa el texto.

Publicado en Diario Río Negro, 29/12/2020.

https://www.rionegro.com.ar/murio-pierre-cardin-icono-frances-de-la-moda-y-pionero-del-pret-a-porter-1631899/

sábado, junio 27, 2020

La improbable historia del ingeniero de coches que recibió 50.000 cartas de agradecimiento por inventar el bikini.

Tras la Segunda Guerra Mundial, el francés Louis Réard revolucionó la moda de baño creando el dos piezas. Ninguna modelo se atrevía a ponérselo, pero le valió una legión de fans.
Cuando el francés Louis Réard quiso presentar su primer bikini en 1946, un conjunto de top y braga de tiro alto cuyo estampado imitaba las páginas de un periódico, no encontró a ninguna modelo que se atreviera a llevarlo. Fue la estríper francesa de origen italiano Micheline Bernardini, que por aquel entonces tenía 19 años, quien pasaría a la historia como la primera mujer que desfiló en bikini. La provocación de enseñar tal cantidad de piel en un momento en el que incluso en la gran pantalla el código Hays regulaba qué se podía mostrar y qué no, fue en aumento cuando la improvisada modelo no solo posó en la famosa piscina Molitor (París) dejando su ombligo o los glúteos al descubierto, sino que lo hizo sosteniendo una caja de cerillas con un claro mensaje: «llevo un atuendo tan minúsculo que podría guardarlo aquí». Su creador le dio aún más épica al declarar que un auténtico bikini no era tal «a menos que se pudiera pasar por el interior de una alianza de boda».
Aunque Louis Réard, que en realidad era ingeniero automovilístico, pasó a la historia como el padre del bikini, en honor a la verdad hay que apuntar que se disputa el invento de la prenda con otro francés que sí se dedicaba al diseño de moda: Jacques Heim. Aunque el dos piezas de Heim, al que llamó 'átomo', por ser «la partícula más pequeña que existe», pisó antes las playas que el de Réard, este logró pasar a la historia como padre del bikini al habérsele ocurrido bautizarlo, precisamente, con ese nombre. Lo eligió en honor al atolón Bikini, donde Estados Unidos había detonado por primera vez una bomba nuclear pocos días antes de la presentación de la prenda, probablemente, con la intención de hacer un símil respecto a la explosividad de su creación.
Por aquel entonces Réard, que era ingeniero de formación, regentaba la tienda de lencería de su madre cerca del famoso cabaret parisino Folies Bergère y, charlando con sus clientas, reparó en que las mujeres de St. Tropez doblaban sus bañadores para lograr un mejor bronceado. ¿Por qué no facilitarles la tarea creando un traje de baño de proporciones minúsculas? Dicho y hecho. Aunque ya en la antigua Roma las mujeres usaban conjuntos similares para hacer deporte, el bikini tal y como lo conocemos nació en aquel momento, en un contexto de búsqueda de libertad femenina tras la Segunda Guerra Mundial.

Los 50 mil fans y sus cartas.

A pesar de que la tela estaba racionalizada tras la guerra y la poca cantidad que se necesitaba para confeccionar un bikini jugaba a su favor, la creación levantó tanta polvareda en la sociedad de la época que, tras el concurso de Miss Mundo, celebrado en Londres en 1951, en el que las candidatas aparecieron llevándolo, se prohibió en las playas de países como Italia, Bélgica o España y fue declarado como 'pecaminoso' por El Vaticano. Solo desinhibidas celebridades como Rita Hayworth, Ava Gardner o Brigitte Bardot, que se lo puso durante el Festival de Cine de Cannes de 1953, osaban lucirlo. Sin embargo, el atrevimiento de Réard fue recibido de buen grado por el sector masculino: recibió 50.000 cartas de fans agradeciéndole la ocurrencia.
Aunque durante los años 50 la mayoría de las mujeres continuaron luciendo elegantes -y recatados- bañadores de una pieza, la popularidad del bikini fue en aumento en la siguiente década, después de que Ursula Andress hiciera su icónica salida del agua enfundada en uno de color blanco en el filme Doctor No (1962) y Raquel Welch luciera otro modelo histórico en One million years B.C. (1966). También tuvo que ver su aparición en Sports Illustrated, revista que en 1964 puso por primera vez en portada a una modelo en bikini, dos años después de que lo hiciera Playboy. Al parecer, el motivo de colocar a Babette March con un dos piezas blanco tuvo que ver con que su editor, Andre Laguerre, no pudo recopilar suficientes eventos deportivos sobre los que escribir y pidió ayuda a la redactora de moda, Jule Campbell, a quien se le ocurrió la peregrina idea de rellenar espacio colocando a una modelo en portada.
Aunque el bañador ha vivido una notable resurrección los últimos veranos, el bikini es al día de hoy la opción más popular en playas y piscinas. De ahí que más de tres décadas después de la muerte de su creador, que falleció a los 87 años a mediados de los ochenta, se intentara resucitar su marca en 2017. Bautizada únicamente con su apellido, Réard, el proyecto fue fugaz -al día de hoy la web sigue activa, aunque ya no es posible comprar ni sus bikinis ni bañadores-, pero no olvidó incluir el papel de periódico como uno de los estampados de la colección. Esta vez, eso sí, lucido por una modelo profesional.
S-moda El País. Por: Clara Ferrero.
Publicado en Diario "La Nación", 26 de Junio de 2020.

sábado, abril 18, 2020

17 de Abril de 1971: arrancaba el programa de TV ALTA TENSÍÓN.

Alta Tensión fue un programa musical argentino de creado en el año 1971, conducido por Fernando Bravo. Se emitió por canal 13 a la una de la tarde de los días sábado, llegando luego a aparecer diariamente en pantallas durante treinta minutos. Producido y manejado por la fonográfica RCA, fue la plataforma para la promoción de sus lanzamientos musicales.RCA (o la RCA Víktor, como se la conocía entre los propios artistas y musicalizadores de radio) cuyo edificio y estudios ocupaban una manzana entera en la calle Paroissien, en Parque Saavedra.
17 de Abril de 1971 arrancaba el programa ALTA TENSIÓN hace 49º años. El programa comenzó siendo conducido por Leo Rivas y Graciela Zito.
Luego de dos meses al aire, Fernando Bravo pasó a ser el nuevo conductor, y la producción a cargo de Teresa Alonso.
Una de las caras visibles era Rubén Mattos, que tiene en su haber el popular tema "Salta pequeña langosta" (que aún se canta, con otras letras, en las canchas de fútbol).
Se promocionaban a artistas que surgían en ese momento, como fueron el caso de cantantes como: Tormenta; Donald; Charlie Leroy; Alma y Vida; Pintura Fresca; Safari; Los Náufragos; Quique Villanueva; Carlos Bisso con Conexión Nro. 5; el integrante del propio elenco Rubén Mattos. Ese ciclo fue un semillero desde donde surgieron nuevos talentos para el espectáculo nacional tales como: Willy Ruano (actor), Susú Pecoraro (actriz), Mónica Jouvet (actriz), Susana Romero (Miss Argentina 1973, modelo y actriz), Inés García Escariz (cantante integrante del dúo Candela junto a su hermana), Juan Emilio Guidobono (modelo, coreógrafo, productor y director), Marilú Brajer (periodista y consultora política), Leonor Guggini (Miss Argentina 1974 y modelo), Antoine Oyanella (modelo), María del Carmen Villariño (asesora de vestuario de Ideas del Sur), José María Speroni (luchador de catch de la troupe de Titanes en el Ring).
Se dio por terminado en septiembre de 1974. Salía al aire los sábados a las 13. Luego pasó a emitirse los días de semana también por la tarde pero de lunes a viernes.

Listado de los LP de Alta Tensión por la R.C.A.:
ALTA TENSION EN SOTANO BEAT (Otoño 1971) (lanzado antes de comenzar el programa de TV)
ALTA TENSION - "Primavera con Alta Tensión" (Septiembre 1971)
ALTA TENSION - "Verano con Alta Tension" (Diciembre 1971)
ALTA TENSION - "A Toda Potencia" (Febrero-Marzo 1972)
ALTA TENSION - "Es Primavera" (Septiembre 1972)
ALTA TENSION - "Sol" (Diciembre 1972)
ALTA TENSION - "Bowling" (Marzo 1973)
ALTA TENSION - "Súper Primavera" (zapatos) (Septiembre 1973)
ALTA TENSION - "Shock" (Susana Gimenez) (Diciembre 1973)
ALTA TENSION - "Otoño" (Marzo 1974)
ALTA TENSION - "Flecha" (Diciembre 1974)
ALTA TENSION - "Tenis" (Septiembre 1975)
ALTA TENSION - "Vertigo" (Moto) (Marzo 1976) el último de la serie, el programa ya no estaba en el aire.

Algunos de los temas que se popularizaron a partir del programa fueron: "La reina de la canción" (La Joven Guardia) tema lei motiv del programa; Quiero gritar que te quiero (Quique Villanueva); "Estoy hecho un demonio" (Los Linces); Mirá para arriba, mirá para abajo (Katunga); Mujer (Manolo Galvan); De boliche en boliche (Agua Mojada); Ahora que soy libre (Juan Marcelo);Yo quiero a Lola (Palito Ortega); Súbete a mi barco - (Alta Tensión); Palabras, Palabras (Silvana Di Lorenzo); León , yo te amo (Ivette);  Los marineros se quieren bajar (Los Iracundos); Celosa, celosa, celosa (Donald); Es mi chica favorita (Raúl Padovani); Que la dejen ir al baile sola (Raúl Mattos); Adiós chico de mi barrio (Tormenta); La chica de la boutique (Heleno).

Fuente de información utilizada: 
Wikipedia - Alta Tensión Facebook.


miércoles, julio 17, 2019

El corsé: de símbolo de opresión a grito feminista.

El corsé: de símbolo de opresión a grito feminista.

Una pieza que entiende de polémica y estelariza un revival curvilíneo y audaz. 
El corsé, arma de belleza. Fuera de las “faintingrooms” (salas para desmayarse) que algunas casas ofrecían a las portadoras de corsé, esta pieza originada en Creta (Grecia) vio pasar los siglos como herramienta para obtener la silueta de moda. Mucho antes de los encajes o los moños propios de la era eduardiana, el corsé admitía hierro, madera, acero, huesos de ballena, colmillos de morsa, astas. Lo que fuera con tal de afinar cintura, aplanar abdomen o realzar el busto. 
Irónicamente, las primeras imágenes del corsé revelan adeptos de ambos sexos. La civilización minoica añoraba tener cinturas angostas y, ya de niños, mujeres y hombres llevaban una suerte de faja para evitar lo contrario. Salvo alguna que otra excepción en el siglo XVI, cuando españoles e ingleses se valieron del corsé para esculpir cuerpos atléticos, la prenda quedaría relegada al “segundo sexo”. 
La carga religiosa de la Edad Media dotó al cuerpo de un carácter pecaminoso; tanto que la ropa debía cubrirlo de pies a cabeza. El corsé sólo se dejó ver en ilustraciones del demonio (c. siglo XII). No obstante, debajo de las pesadas capas textiles de sus mujeres, comenzaba a tomar forma un ítem imprescindible de la Europa de los siguientes tiempos.
A la aristócrata francesa, Catherine de Medici, se le debe la imposición de las cinturas entalladas en el 1500. Una moda que se propagó entre cortesanas y, en vez de seguir líneas orgánicas, adoptó curvas y volúmenes estrafalarios. En esta época, el corsé podía anudarse por detrás o por delante. En España, se agregaba una pieza vertical de madera o asta llamada busk. Utilizada para aplanar el frente, también se les ofrecía a pretendientes como “premio” cuando mostraban interés en una lady.
En el siglo XIX, el corsé era un regalo frecuente de parte de amantes y maridos, que escondían poemas de amor y fotos dentro de las piezas. Ese siglo se gestó con líneas suaves, naturales, y terminó con piezas rígidas, casi estrambóticas, que contenían cerca de cien huesos de ballena.  
El último boom del corsé antes de la Primera Guerra Mundial (principal motivo de su extinción), fue el de la Gibson Girleduardiana. Más sinuoso que sus ancestros, evocaba la curva de la letra S y se componía de materiales delicados. Los mismos que las guerras harían desaparecer.

lunes, julio 15, 2019

El sensual secreto guardado en los labios de Wanda Nara. La esposa y manager del rosarino Mauro Icardi sigue el camino de otras grandes estrellas.

El sensual secreto guardado en los labios de Wanda Nara. 
La esposa y manager del rosarino Mauro Icardi 
sigue el camino de otras grandes estrellas.

Wanda Nara, al igual que figuras de la talla de Lady Gaga, Kylie Jenne o Chiara Ferragni, quiere posicionarse en el mercado de los labiales con una línea aque acaba de lanzar.
La esposa y manager del rosarino Mauro Icardi adelantó el lanzamiento de su colección de lápices labiales con una misteriosa foto en su Instagram y escribió: Que tus labios me digan lo que tus palabras no pueden.
Luego de compartir esta pista, subió una imagen hace unas horas anunciando la cuenta oficial de su nueva marca de make up @wancollection.
Todavía no están a la venta y tampoco aclaró cual sería su fecha de lanzamiento, ni si se venderán en Italia y en Argentina.
Su hermana, Zaira Nara, hace unos meses presentó su propia línea de maquillaje Zaira Beauty. La misma cuenta con diferentes cosméticos como iluminadores, delineadores, rimmel, sombras y hasta lápices labiales. Por lo que serían competencia directa si los productos de Wanda se venden en la Argentina.

* Publicado en Diario "La Capital" de Rosario, sábado 13 de Julio de 2019.

viernes, febrero 08, 2019

Cristina vs Juliana: dos colecciones de carteras que valen lo mismo que un departamento. La ex presidenta y la Primera Dama están en las antípodas ideológicas, pero su devoción por los accesorios de lujo las acerca.


Cristina Kirchner y Juliana Awada están en las antípodas ideológicas, pero cuando de accesorios se trata la devoción por las carteras de lujo las acerca. Según un seguimiento realizado por El Cronista, en base a 30 fotografías periodísticas, cada una posee una colección de carteras de diseñadores de lujo, que en su mayoría no se comercializan oficialmente en Argentina, equivalentes al precio promedio de un departamento de dos ambientes en la Ciudad de Buenos Aires.

El relevamiento de precios se realizó de tres maneras: por un lado, los sitios web de las marcas; por otro lado, para los modelos de temporadas anteriores que ya no se consiguen en las tiendas se tuvo en cuenta los precios publicados en dos sitios web de reventa, www.vestiairecollective.com y www.collectorsquare.com.


Cristina Kirchner contabiliza carteras por un total de u$s 115.678de marcas francesas, italianas e inglesas como Dior, Hermes, Louis Vuitton, Gucci, Chanel entre otras. La cifra, en pesos, supera la valuación de $ 4.000.000 realizada por el juez federal Claudio Bonadio sobre las obras de arte secuestradas en diversos allanamientos a sus domicilios.

En su colección se destaca la cartera Birkin de la casa Hermesrealizada en cuero de cocodrilo violeta y que en el mercado secundario se la puede conseguir por u$s 35.108. El elevado monto se debe a que este modelo, nombrado así en homenaje a la actriz y cantante Jane Birkin, se caracteriza por su exquisita realización artesanal y la lista de espera a la que ingresa todo aquel que desee poseer una

El de la ex presidenta, en particular, fue realizado en cuero de cocodrilo, un material que de por sí eleva el precio. A su vez, por la alta demanda y la poca disponibilidad, los precios tienden a dispararse en la reventa. A modo de ejemplo: en 2017 la casa de subasta Christie’s remató por u$s 377.000 un particular modelo de Birkin realizado en piel de cocodrilo del Himalaya con incrustaciones de oro y diamantes.

Publicado en Diario "Los Andes", 8 de Febrero de 2019.

lunes, diciembre 31, 2018

¿Evitar a las mujeres a toda costa?

Tomamos iniciativas con gran alegría y con prisas, olvidando que nadie es capaz de prever lo que provocarán a la larga o a la media. No pocas veces medidas “menores” y frívolas, o autocomplacientes, han desembocado en guerras al cabo de no mucho tiempo. Los impulsores de las medidas nunca se lo habrían imaginado, y desde luego se declararán inocentes de la catástrofe, negarán haber tenido parte en ella. Y sin embargo habrán sido sus principales artífices.

Sin llegar, espero, a estas tragedias, el alabado movimiento MeToo y sus imitaciones planetarias están cosechando algunos efectos contraproducentes, al cabo de tan sólo un año de prisas y gran alegría. Había una base justa en la denuncia de prácticas aprovechadas, chantajistas y abusivas por parte de numerosos varones, no sólo en Hollywood sino en todos los ámbitos. Ponerles freno era obligado. Las cosas, sin embargo, se han exagerado tanto que empiezan a producirse, por su culpa, situaciones nefastas para las propias mujeres a las que se pretendía defender y proteger. El feminismo clásico (el de las llamadas “tres primeras olas”) buscaba sobre todo la equiparación de la mujer con el hombre en todos los aspectos de la vida. Que aquélla gozara de las mismas oportunidades, que percibiera igual salario, que no fuera mirada por encima del hombro ni con paternalismo, que no se considerara un agravio estar a sus órdenes. Que el sexo de las personas, en suma, fuera algo indiferente, y que no supusieran “noticia” los logros o los cargos alcanzados por una mujer; que se vieran tan naturales como los de los varones.
Leo que según informes de Bloomberg, de la Fawcett Society y del PEW Research Center, dedicado a estudiar problemas, actitudes y tendencias en los Estados Unidos y en el mundo, se ha establecido en Wall Street una regla tácita que consiste en “evitar a las mujeres a toda costa”. Lo cual se traduce en posturas tan disparatadas como no ir a almorzar (a cenar aún menos) con compañeras; no sentarse a su lado en el avión en un viaje de trabajo; si se ha de pernoctar, procurar alojarse en un piso del hotel distinto; evitar reuniones a solas con una colega. Y, lo más grave y pernicioso, pensárselo dos o tres veces antes de contratar a una mujer, y evaluar los riesgos implícitos en decisión semejante. El motivo es el temor a poder ser denunciados por ellas; a ser considerados culpables tan sólo por eso, o como mínimo “manchados”, bajo sospecha permanente, o despedidos por las buenas. La idea de que las mujeres no mienten, y han de ser creídas en todo caso (como hace poco sostuvo entre nosotros la autoritaria y simplona Vicepresidenta Calvo), se ha extendido lo bastante como para que muchos varones prefieran no correr el más mínimo riesgo. La absurda solución: no tratar con mujeres en absoluto, por si acaso. Ni contratarlas. Ni convertirse en “mentores” suyos cuando son principiantes en un territorio tan difícil y competitivo como Wall Street. En las Universidades ocurre otro tanto: si hace ya treinta años un profesor reunido con una alumna dejaba siempre abierta la puerta del despacho, ahora hace lo mismo si quien lo visita es una colega. Los hay que rechazan dirigirles tesis a estudiantes femeninas, por si las moscas. En los Estados Unidos ya hay colleges que imitan al islamismo: está prohibido todo contacto físico, incluido estrecharse la mano. Como en Arabia Saudita y en el Daesh siniestro, sólo que allí, que yo sepa, ese contacto está sólo vedado entre personas de distinto sexo, no entre todo bicho viviente.
Parece una reacción exagerada, pero hasta cierto punto comprensible si, como señaló la americana Roiphe en un artículo de hace meses, se denuncia como agresión o acoso pedirle el teléfono a una mujer, sentarse un poco cerca de ella durante un trayecto en taxi, invitarla a almorzar, o apoyar un dedo o dos en su cintura mientras se les hace una foto a ambos. No es del todo raro que, ante tales naderías elevadas a la condición de “hostigamiento sexual” o “conducta impropia” o “machista”, haya individuos decididos a abstenerse de todo trato con el sexo opuesto, ya que uno nunca sabe si está en compañía de alguien razonable, o quisquilloso y con susceptibilidad extrema. El resultado de esta tendencia varonil, como señalaban los mencionados informes, es probablemente el más indeseado por las verdaderas feministas, y llevaría aparejado un nuevo tipo de discriminación sexual. Se dejaría de trabajar con mujeres, de asesorarlas y aun de contratarlas no por juzgarlas inferiores ni menos capacitadas, sino potencialmente problemáticas y dañinas para las propias carrera y empleo. Si continuara y se extendiera esta percepción, acabaríamos teniendo dos esferas paralelas que nunca se cruzarían, y, como he dicho antes, el islamismo nos habría contagiado y habría triunfado sin necesidad de más atentados: tan sólo imbuyéndonos la malsana creencia de que los hombres y las mujeres deben estar separados y, sobre todo, jamás rozarse. Ni siquiera codo con codo al atravesar una calle ni al ir sentados en un tren durante largas horas. 
Por Javier Marias

domingo, febrero 11, 2018

Carolina Herrera dejará mañana su empresa.


La diseñadora venezolana Carolina Herrera anunció el viernes que dejará la dirección creativa de su propia marca, 37 años después de haber creado el emporio.

Carolina Herrera es una de las grandes figuras de la moda neoyorquina, junto a Oscar de la Renta y Diane von Furstenberg, que encarnan una forma de elegancia estadounidense, más sofisticada que el estilo propuesto por Ralph Lauren, Tommy Hilfiger o Calvin Klein.

Al final de su último desfile, mañana en el MoMA, dentro de la Semana de la Moda de Nueva York, la diseñadora de 79 años cederá la dirección creativa al estadounidense Wes Gordon, de 31 años, que trabaja en la casa como consultor desde hace casi un año.

Pero si bien se despide de las pasarelas, Herrera aseguró en una entrevista con The New York Times que no se trata de su retiro. En su lugar, se convertirá en una embajadora de la moda para su marca.

"Espero continuar representando esta casa y nuestros proyectos en todo el mundo", dijo el viernes en un comunicado. "Estoy muy contenta de que Wes ahora sea parte de la Casa Herrera, es el indicado en este puesto para seguir construyendo sobre este gran momento nuestro".

Gordon, un joven diseñador del sur de Estados Unidos, creó su propia marca al terminar la prestigiosa escuela londinense Central St. Martins en 2009, pero la dejó temporalmente inactiva el año pasado cuando se unió a Carolina Herrera.

Herrera asumió la dirección creativa de su propia casa en 2016 tras la salida del franco-estadounidense Hervé Pierre.

Conocida figura de la jet set y de las noches neoyorquinas en la década de 1970, Carolina Herrera creó su marca en 1981 y captó paulatinamente el gusto de celebridades.

Sus creaciones también han vestido a varias primeras damas estadounidenses, desde Jacqueline Kennedy Onassis hasta Michelle Obama y Melanie Trump.
Desde entonces, tiene un lugar garantizado en las alfombras rojas, vistiendo a la flor y nata de Hollywood.

Carolina Herrera desarrolló un estilo atemporal, colorido y alegre que tiene fuertes influencias de la moda de la posguerra pero con un tono muy actual. Además, levantó un grupo en la industria de la moda que cuenta con ventas anuales de más de 1.000 millones de dólares.
La empresa fue adquirida en 1995 por el grupo español Puig.


Publicado en Diario "Los Andes" de Mendoza, domingo 11 de febrero de 2018.

domingo, noviembre 20, 2016

Evita Perón, la líder de los descamisados que solo vestía de Christian Dior. La primera dama se convirtió en una clienta tan fiel que hasta su mortaja fue del diseñador.

Evita Perón, la líder de los descamisados que solo vestía de Christian Dior. La primera dama se convirtió en una clienta tan fiel que hasta su mortaja fue del diseñador.

Con la seguridad de la que se cree guapa y una cautivadora inteligencia natural sin cultivar, Eva Duarte Ibarguren consiguió convertirse en un potente símbolo mundial y en la «Jefa Espiritual de la Nación Argentina». Intuitiva, entusiasta y determinada, Evita hubiera cumplido el pasado 7 de mayo 95 años.

Con 15 años se marchó de Junín a Buenos Aires para buscar fortuna. Y la encontró. Teatro y vodevil hicieron que Eva conociese y cautivase a Juan Domingo Perón. Se casaron en 1945. Un año después, ya como primera dama de Argentina, se ganó al pueblo defendiendo a las mujeres y a los más desfavorecidos.

Eva se hizo con un «sello» propio, labios rojos y moño bajo, a veces trenzado. En los años cuarenta llevaba la silueta de hombreras marcadas y faldas pitillo, estilo austero de la posguerra. Adquirió la moderna manía de acumular zapatos, albergando unos 300 pares en su vestidor, con modelos a la moda en la actualidad: peep-toes y plataformas. Comenzó a encargar zapatos a medida a André Perugia, una especie de Christian Louboutin de la época, que elaboraba zapatos para modistos y socialités. Y tocaba su cabeza con sombreros de Casa Giulia.

«He vestido a Evita»
Eva Duarte, que se había vestido en Paco Jamandreu en su época de actriz, comenzó a frecuentar las mejores casas bonaerenses de costura, como Paula Nateloff o Henriette. Se aficionó a escotes, drapeados y largas colas para la noche. Pero quiso superar a las primeras damas occidentales y a toda argentina de alcurnia: se marchó a París e hizo sus primeros encargos a Christian Dior, Jacques Fath y Balmain.

Fue con Christian Dior con quien trabó la relación más estrecha. Eva se dejaba guiar por Dior. Y Dior vio en Eva Perón a su reina deseada, su obra de arte personal, su diva. Preguntaron a Dior a qué reinas vestía y contestó: «A Evita Perón». En la maison francesa crearon un maniquí con sus medidas para poder «probar» las prendas adecuadamente. Y una ayudante de Evita recogía de modo periódico los modelos cosidos en París.

Dior creó para Evita trajes de chaqueta, vestidos y abrigos. Su talla menuda le permitía ponerse cualquier cosa. Cuando el maestro francés inventó el «New Look», de cintura marcada y falda con volumen, Evita fue su primera embajadora. En sus actos y viajes, la Perón hacía un despliegue brutal de pieles, joyas y vestidos.

Vestida en vida y muerte.
Y Dior, que la vistió en vida, también la vistió en su muerte. Sus «descamisados» la velaron durante días, embalsamada y cubierta por un vestido blanco de alta costura de Christian Dior, sin otro accesorio que la medalla que Pio XII le había regalado.


El tiempo ha pasado y Eva Perón se ha convertido en un icono de la moda. Pero del tan simbólico maniquí con sus medidas parece no quedar rastro en la casa Dior. Cinco años después de la muerte de Evita, desapareció su modisto favorito. Y quedó a cargo de la casa Dior un jovencísimo y brillante Yves Saint Laurent, rápidamente sustituido por ser demasiado genial. Pero esa es otra historia.